Marco histórico, cultural y características literarias del siglo XV

¿Te imaginas vivir en una época donde todo está cambiando? Eso es exactamente lo que pasó en el siglo XV, un período de transición brutal entre la Edad Media y la Edad Moderna. Durante los primeros años hubo guerras civiles constantes, rebeliones nobiliarias y un caos generalizado bajo los Trastámara.

Todo cambió cuando llegaron los Reyes Católicos en el último tercio del siglo. Estos reyes no se anduvieron con tonterías: unieron Castilla y Aragón, terminaron con el feudalismo, completaron la Reconquista en 1492 y expulsaron a los judíos. También crearon la Inquisición, lo que aumentó las tensiones religiosas que ya existían entre cristianos, musulmanes y judíos.

La cultura experimentó una revolución gracias al humanismo, que llegó desde Italia. Esta corriente puso al ser humano en el centro, revalorizó la cultura clásica grecolatina y las lenguas vulgares como el castellano. La invención de la imprenta fue clave: por primera vez los libros no eran solo para nobles y religiosos.

La literatura del siglo XV es una mezcla perfecta entre lo medieval (temas caballerescos, alegorías, amor cortés) y lo renacentista (búsqueda de la fama, estilo culto latinizante, influencia de Dante, Petrarca y Boccaccio). Es como tener lo mejor de dos mundos en una sola época.

💡 Recuerda: El siglo XV es fundamentalmente de transición. Siempre piensa en "mezcla" cuando estudies esta época.

La poesía del siglo XV: lírica tradicional, cancioneril y grandes autores

La lírica tradicional del siglo XV es sencilla y directa, con métrica irregular y tema amoroso. El villancico es su forma más típica, combinando estribillo con glosas que desarrollan el tema. Aunque seguramente existía antes, los primeros testimonios escritos son de esta época.

Por otro lado, la poesía cancioneril nació porque la nobleza necesitaba entretenimiento durante tanto caos político. Se reunían en palacios a hacer ceremonias cortesanas y escribir poesía, recopilada en cancioneros como el de Baena. Esta poesía culta tiene estilo conceptista (juegos de palabras, antítesis, paradojas) y recibe doble influencia: provenzal para temas amorosos y dantesca italiana para temas morales.

Los tres grandes poetas son auténticas leyendas. El Marqués de Santillana (1398-1458) escribió desde poesía moral hasta las famosas serranillas y fue pionero en aclimatar el soneto italiano al castellano. Juan de Mena (1411-1456) nos regaló el Laberinto de Fortuna, un poema alegórico de trescientas coplas sobre la influencia del destino, con un estilo fuertemente latinizado que a veces cuesta leer.

Jorge Manrique (1440-1479) es el más relevante de la segunda mitad del siglo. Este soldado-poeta escribió unas cincuenta composiciones amorosas, pero su fama universal viene de las Coplas a la muerte de su padre, una elegía que trasciende lo personal para convertirse en reflexión filosófica sobre la vida y la muerte.

💡 Dato clave: La poesía del XV combina siempre dos influencias: provenzal (amor cortés) e italiana (alegoría dantesca).

Las Coplas de Jorge Manrique y los romances

Las Coplas a la muerte de su padre son una obra maestra que maneja tres temas fundamentales. El triunfo de la muerte se presenta sin terror medieval, sino con serenidad cristiana como puerta a la eternidad. La Fortuna aparece como esa mujer caprichosa con su rueda que reparte alegrías y desgracias sin criterio. La fama se entiende como una vida intermedia entre lo terrenal y lo eterno.

La métrica es genial: cuarenta coplas de pie quebrado (ahora llamadas manriqueñas) con esquema 8a, 8b, 4c, 8a, 8b, 4c, 8d, 8e, 4f, 8d, 8e, 4f. La estructura va de lo general a lo particular: primero reflexión universal sobre la muerte, luego ejemplos históricos con el tópico ubi sunt? (¿dónde están?), y finalmente la individualización en don Rodrigo.

El estilo es sencillo pero profundo, usando metáforas como la vida-río, paralelismos vida/muerte e interrogaciones retóricas. Manrique consigue que algo tan grave suene natural y emotivo.

Los romances son octosílabos con rima asonante en versos pares $8-, 8a, 8-, 8a...$. Son lírico-épicos: cuentan historias con recursos expresivos y épicos. Su carácter fragmentario los hace misteriosos, como si fueran pedazos de relatos más largos.

Menéndez Pidal defendía que los romances viejos procedían de cantares de gesta fragmentados, mientras otros los consideran creación lírica tradicional. Los romances nuevos son imitaciones cultas del siglo XVI en adelante.

💡 Truco de examen: Los tres temas de las Coplas (muerte, fortuna, fama) aparecen constantemente en preguntas.

La Celestina: género, argumento y personajes

La Celestina es un bicho raro literario que ha hecho sudar a los críticos durante siglos. ¿Es teatro? ¿Es novela? Parece teatro por estar toda dialogada y dividida en actos, pero es imposible de representar por su extensión y crudeza. Mejor considerarla comedia humanística: pensada para lectura en voz alta ante un público reducido, siguiendo el modelo de Petrarca.

El argumento es un drama pasional brutal. Calisto se enamora de Melibea, ella lo rechaza, él recurre a la alcahueta Celestina que consigue ablandar a la chica con mentiras y hechizos. Cuando Celestina no quiere compartir la recompensa, los criados la matan, son ejecutados, y todo se va al garete. Calisto muere por accidente al saltar un muro, Melibea se suicida tirándose de una torre, y el padre cierra con un lamento sobre la Fortuna.

Los personajes se dividen aparentemente en dos mundos: señores (Calisto, Melibea, Pleberio, Alisa) que parecen idealistas, y criados (Celestina, Pármeno, Sempronio, Elicia, Areúsa) que parecen materialistas. Pero la genialidad de Rojas es mostrar que todos son igual de egoístas e individualistas, movidos por pasiones: amor en los señores, codicia en los criados.

Rojas crea personajes que evolucionan y rompen moldes: Calisto es un antihéroe que ruega a sus criados, Melibea miente a sus padres. Nadie es perfecto, todos son humanos complejos víctimas de sus propias contradicciones.

💡 Clave interpretativa: En La Celestina no hay buenos ni malos, solo seres humanos arrastrados por sus pasiones.

Temas, estilo e intención de La Celestina

La Celestina obsesiona con los tres grandes temas del final del Medievo. El amor se presenta como pasión incontrolable y lujuriosa en todos los niveles sociales - Calisto no quiere casarse con Melibea, solo gozarla. La muerte llega como castigo inevitable a la pasión amorosa y la avaricia. La Fortuna gobierna ciega y caprichosamente todos los acontecimientos.

El lenguaje funciona en dos niveles perfectamente diferenciados. Los señores usan un registro culto con latinismos, sintaxis compleja y citas clásicas que demuestran su educación. Celestina y los criados emplean lenguaje popular lleno de refranes, insultos y expresiones coloquiales, aunque la vieja alcahueta sabe adaptar su registro cuando habla con los señores.

La intención de Rojas es aparentemente moralizadora: advertir contra los peligros de las pasiones descontroladas y las malas influencias. Las muertes serían castigo divino por rebelarse contra las normas morales. Pero la obra es más compleja que eso.

También refleja influencias renacentistas y el pesimismo del XV: individualismo extremo, visión pagana del mundo, sensualidad explícita y un suicidio que no se condena moralmente. Es como si Rojas dijera una cosa pero mostrara otra, creando una ambigüedad que hace la obra eternamente moderna.

La genialidad está en esa dualidad: oficialmente es una obra moral, pero en realidad es un retrato despiadado de la naturaleza humana donde todos pierden porque todos se dejan arrastrar por sus impulsos más básicos.

💡 Para reflexionar: ¿Es La Celestina realmente moralizante o es una crítica encubierta a la sociedad de su época?